Ce matin, j’ai décidé de consacrer ma journée à la visite du musée des Beaux-Arts. C’était sans compter que ma décision tombait à pic, car Montréal se trouve en urgence météo, avec un vent de plus de 72 km/h et une tempête de glace ravageuse. Quelle bonne idée de parcourir les ruelles à pied avec des baskets de ville et un parapluie affaibli par l’usage ! Mais une fois de plus, rien ne m’arrête, ou plutôt, j’ai sous-estimé les forces de la nature. Pourtant, ce n’était pas faute de m’avoir prévenu que le temps risquait de me jouer des tours et que j’étais bien loin des températures européennes. Alors que les conditions météorologiques sont affolantes, je décide tout de même d’affronter le verglas aux allures de patinoire citadine. L’ironie du sort ? Le musée se trouve en haut d’une montée gelée, glissante, sans aucun rebord de béton sec. Après l’effort, le réconfort, le manteau trempé et les cheveux ébouriffés, je suis parvenue jusqu’au musée. Je présente mon billet et me remets doucement de ma quête passée.
MBAM, l’art en 160 ans d’histoire
Fondé en 1860, le Musée des Beaux-Arts de Montréal est le plus ancien musée d’art au Canada et l’un des plus grands d’Amérique du Nord. À travers ses collections, nous parcourons l’histoire riche et variée de l’art, allant de l’archéologie aux beaux-arts en passant par les pratiques contemporaines. L’une de ses collections les plus inédites réside, à mon sens, au cœur du pavillon Claire et Marc Bourgie, où l’on découvre le patrimoine québécois et canadien, avec une partie consacrée à l’art inuit.
En quelques chiffres, le MBAM c’est :
Accueillie par une verrière lumineuse et imposante, je me plonge au cœur du premier pavillon et découvre les plus grandes œuvres du monde de l’art. Au même moment, des dizaines d’étudiants dessinent les croquis de certaines œuvres, pleinement attentifs et concentrés. De mon côté, chaque salle m’élève à un point de satisfaction intense. Il s’agit en vérité d’un sentiment très particulier d’avoir devant soi des œuvres de telles renommées, si anciennes : 1860, 1918, 1929 – toutes ces années semblent si lointaines. Alors que l’homme n’est plus, son art quant à lui, reste, vit, grâce aux regards des passants, aux éloges historiques et mentions écrites. De Pablo Picasso à Salvador Dalí en passant par Alberto Giacometti, une des œuvres de cette grande salle m’interpelle, m’intrigue. D’un noir ténébreux et impénétrable décimer d’une lueur intense et vaporeuse, ce tableau n’aspire non pas à une confrontation entre les tons de couleurs, mais à un accord bien plus subtil. Alberto Martini, c’était lui, lui qui avait immédiatement attiré mon attention.
Mais alors, qui était-il ? Quelle était cette oeuvre ?
Alberto Martini, quand le corps n’est plus, l’âme prend le relais.
Alberto Martini, Autoportrait, Huile sur toile, 1929
Situé à la jonction du symbolisme, de la peinture métaphysique italienne et du surréalisme, Alberto Martini est connu pour ses illustrations au cœur de la Divine Comédie de Dante. En approfondissant cette « manière noire » par une recherche téléplastique et psychoplastiques, il se rapproche au plus près des thèmes du spirituel, de l’hypnose voire de la voyance. Entouré de ses confrères tels que André Breton, René Magritte et Joan Miró, Alberto Martini tient à son indépendance et refuse d’intégrer le groupe des surréalistes. Surprise de ne jamais avoir vu d’analyse à son sujet, ma curiosité est doublement éveillée et ma volonté d’en comprendre toute la subtilité est d’autant plus prononcée.
Une représentation du « moi » ou la question d’introspection universelle
L’œuvre dans son ensemble résulte d’une composition particulière. Cet autoportrait, comme miroir de l’âme, se confronte aux désirs, aux pulsions et pensées inavouables. Cette lumière blanche, évocatrice d’une aura reliée au spirituel, connectée au divin, s’entremêle à l’inexpression de l’individu, à l’indifférence de son corps physique. Nous retrouvons dès lors cette notion de peinture métaphysique, cherchant à représenter ce qu’il y a au-delà de l’apparence, de la réalité physique. Cette chair périssable se voit doubler d’un corps plus subtil, de l’essence même de l’individu, incorruptible. L’œuvre expérimente nos sens, notre perception cognitive. En gardant un aspect figuratif, l’artiste se détache du monde. Cette image figée dans le temps nous amène alors à une introspection, à une réflexion profonde.
Le regard comme siège de l’âme
Cette figure masculine, dépourvue de toute émotion, n’est que la vision de ses désirs, de ses pulsions érotiques. Placé au centre, la main sur le cœur, le regard aux penchants voyeuristes nous invite à plonger dans ses pensées les plus profondes. À l’arrière-plan, les corps féminins, sensuels et dévoilés de moitié, inspirent à l’érotisme, au mystère. Chaque partie du corps de l’individu est entourée de cette aura blanche, trouvant un creux au centre de son crâne. La pureté et la neutralité de l’individu s’accordent à la sensualité du corps des femmes et aux pensées érotiques.
La couleur rougeâtre se retrouvant au niveau des oreilles se poursuit sur le contour de ses mains. Symbole de passion, de désir ou de souffrance, tous les sens de l’individu sont alors interconnectés, reliées par ce tracé rouge. L’essence même de l’individu persiste au-delà du monde physique, de notre réalité subjective. Qu’en est-il de notre moi intérieur, de toutes nos croyances et limites ? Tant de questions restent sans réponse. Pour autant, bien qu’il s’agisse d’un autoportrait, cette absence d’identification propre par le visage mystérieux de l’individu ne serait-elle pas amenée à devenir une identification de chacun, universelle ?
Et si Alberto Martini se questionne tout autant qu’il nous invite à le faire ? À percevoir cette part d’ombre, cette part inavouable en chacun de nous ? Bien plus qu’un corps, qu’une représentation physique, l’inconscient, le moi intérieur prend le relais et se met à nu devant nos yeux.
Simple spectateur des vices d’un homme ou compréhension de nos propres désirs et maux qui nous habitent ?
La question reste en suspens et donne matière à réfléchir !
Toute interprétation de l’œuvre n’est que mon ressenti personnel et n’engage que moi. Chacun est propre d’y trouver un sens différent et d’entreprendre des contradictions avec les propos ci-dessous
Après avoir arpenté les différents étages supérieurs du pavillon, je décide de poursuivre ma visite au niveau inférieur destiné à l’art contemporain. À chaque nouvelle porte franchie, ma curiosité était démultipliée. Je voulais en connaître davantage sur la vision canadienne et pouvoir contempler des œuvres qui m’étaient alors inconnues jusqu’à maintenant. Au cœur de cette salle aux murs blancs et lisses, j’ai de nouveau été intriguée par une œuvre qui résonnait profondément en moi, qui faisait à première vue écho à notre actualité, à ma condition en tant que femme.
Janet Werner, une artiste en lutte contre les pressions physiques de la société
Janet Werner, Carey, Huile sur toile, 2014
L’artiste a pour volonté de dépeindre les idéaux de la société, notamment chez la femme, très emprise à un cercle vicieux empreint de jugement incessant et de remarques désobligeantes. En ce sens, ses œuvres se basent sur un concept similaire : celui de mettre en avant un protagoniste isolé, au fond indéterminé. Le spectateur se lance alors dans une contemplation dépersonnalisée, dépourvu de toute identification faciale. Il ne s’agit donc plus d’un portrait en soi, mais uniquement d’une femme comme mannequin pour vêtements, à l’image des vitrines commerciales. La femme comme unique plaisir visuel ? Attractive ? Ici, elle est seulement réduite à un corps, à ses formes prépondérantes, à ses attributs féminins. En clair, il s’agit d’une femme répondant aux idéaux de la société, sur ce qu’elle doit être pour rentrer dans le moule, pour plaire. Une figure attrayante, ni plus ni moins représenté comme un morceau de viande, de chair. Des mots crus, mais des mots qui font sens, qui résonnent en chacune des femmes comme révoltant, mais pourtant vécues et réels au quotidien.
La femme comme unique objet de plaisir ? Marchandise des désirs ?
Le visage totalement effacé, le spectateur se confronte à ce rouge vif, symbole du désir, d’érotisme, de passion. Cette figure féminine, séduisante, agrémentée du désir par le pot de sucette, agit comme une réflexion personnelle, collective de notre vision de la femme. En parcourant cette œuvre de mes yeux, je me questionne sur le message de l’artiste, sur ses petits détails qui sonnent comme fondateurs de sa lutte, de sa dénonciation. La séduction et la sensualité font partie intégrante de son œuvre. Démunie de toute vie et d’individualité, de considération, la femme n’est perçue que comme un désir de satisfaction visuel. Pour autant, ses mains s’agrippent à ce pot, sa courbure n’est pas naturelle, elle ne semble pas à l’aise, mais forcée. Chaque jour, nous sommes confrontés aux regards, aux jugements, aux remarques, mais quand est-il de notre personne, de notre propre quiétude, de notre propre vision ?
Serait-ce ici question d’une obligation d’être celle que l’on demande, de répondre aux idéaux en oubliant alors notre propre bien-être ? Se satisfaire à soi-même, être en accord avec notre corps, nos propres idéaux ne devraient-ils pas être suffisants ?
Notre corps ne devrait être, en aucun cas, critiqué, jugé ou méprisé par autre que nous-mêmes. Il s’agit de nos choix, de notre personne, de notre bien personnel. Cependant, notre quotidien est confronté à cette utopie des magazines, des médias, de notre entourage. Perdue et noyée dans toute cette masse d’informations, il peut sembler difficile de s’accepter tel que l’on est, de se retrouver, de vivre tout simplement selon nos propres décisions.
Entièrement dédié à l’art canadien et québécois, c’est au cœur du Pavillon Clair et Marc Bourgie que ma visite touche à sa fin. Répartis sur quatre étages, nous découvrons chaque univers artistique et mouvements qui ont jalonné les années. En tant qu’européenne, cette découverte a été l’un des moments les plus marquants de mon voyage, car j’ai découvert des œuvres et des artistes qui m’étaient jusqu’à là l’inconnu. Le point culminant de ma visite se trouve au quatrième et dernier étage. À son extrémité, un espace d’exposition est entièrement dédié à l’art inuit, où l’on retrouve des objets et sculptures exposés en vitrine. Axé principalement sur la sculpture en porcelaine, cet art se rapproche intimement de la nature, des figures animales et mythologiques. Au cœur de cette salle tamisée, une œuvre en particulier a suscité ma curiosité et mon désir d’en apprendre davantage. Il s’agit de l’œuvre de Shary Boyle, une artiste plasticienne contemporaine.
Mer changeante, entre réflexion, nature et divinité
Shary Boyle, Mer changeante, Porcelaine partiellement émaillé, plexiglas, 2015
Dès les premiers regards, nous sommes captivés par la présence d’une imposante figure monstrueuse à l’image d’une sirène. Il s’agirait d’une référence à la déesse Sedna, émergeant de son sommeil. Métaphoriquement, cette figure pourrait être le symbole de la puissance de la nature et des éléments qui la composent, reléguant ainsi la barque à une insignifiance presque totale.
Le titre de l’œuvre, « Mer changeante » évoque avec pertinence l’augmentation des niveaux d’eau, la pollution ou encore les températures affolantes qui sévissent dans l’Arctique. Cette idée de « mer changeante » s’inscrit dans le contexte des phénomènes actuel, résultant des décisions économiques mondiales, de l’exploitation massive des ressources naturelles du Canada et des héritages coloniaux.
La luminosité progressive projetée sur l’œuvre illustre l’univers sombre et mystérieux des profondeurs océaniques, un royaume méconnu que les hommes ont tendance à sous-estimer voire maltraiter. Cette mise en lumière pose alors une question pertinente :
Comment l’homme peut-il prétendre s’approprier ces terres et se considérer indétrônable face à une démesure si colossale de la nature ?
L’avenir de notre terre se trouve entre nos mains
Au-dessus de la figure monstrueuse, des personnages se retrouvent comme pris au piège, encerclés par la banquise. Ils semblent insignifiants et impuissants face aux forces de la nature. Pour autant, ces personnages représentent le gouvernement canadien, la Compagnie de la Baie d’Hudson et les missions jésuites. En réalité, ils sont à l’origine de l’altération des traditions inuites en les obligeant à adopter la religion chrétienne et à devenir des citoyens canadiens. Cette représentation met en lumière les conséquences néfastes de l’influence de ces institutions sur la culture et le mode de vie des Inuits.
L’œuvre est un appel à la prise de conscience collective. D’une part, elle nous met en garde contre une situation que nous connaissons bien aujourd’hui et dont nous sommes tous témoins : les risques irréversibles causés par le déséquilibre de la Terre. Elle nous rappelle alors les conséquences dévastatrices de nos actions sur l’environnement et la nécessité d’agir pour préserver notre planète.
D’autre part, l’œuvre évoque un devoir de mémoire envers les peuples qui ont subi la domination de l’Homme en tant que pilleurs de terres et de cultures. Ainsi, elle nous invite à réfléchir aux conséquences de notre comportement sur les communautés autochtones et à prendre conscience de l’importance de préserver leurs traditions, leurs modes de vie et leur patrimoine culturel.
Le Musée des beaux-arts de Montréal est véritablement l’un des plus beaux musées que j’ai eu la chance de visiter jusqu’à présent. Que vous soyez passionné d’art contemporain, amateur des grands classiques de l’histoire de l’art ou simplement curieux, je vous invite vivement à consacrer l’une de vos journées à sa visite. Vous en ressortirez comblé, enrichi et émerveillé.
